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Les films sortis en France en 2011
Présumé coupable
L’affaire d’Outreau est sans doute l’une des plus grandes erreurs judiciaires de ces dernières années. Présumé coupable s’intéresse au destin individuel de l’une des victimes, l’huissier Alain Marécaux. Vincent Garenq filme la descente aux enfers d’un homme démoli par une justice absurde et indifférente. Un cinéma authentique et glaçant.
Synopsis : Le film raconte le calvaire d’Alain Marécaux – « l’huissier » de l’affaire d’Outreau – arrêté en 2001 pour d’horribles actes de pédophilies qu’ils n’a jamais commis.
Après l’affaire Omar Raddad, l’affaire d’Outreau. Cette année, le cinéma français s’intéresse tout particulièrement aux grands drames judiciaires récents, lorsque la justice n’est pas capable de reconnaitre un innocent. Les deux films, Omar m’a tuer et Présumé coupable, décident de suivre la victime du système judiciaire depuis son arrestation (à laquelle elle ne comprend rien) jusqu’aux procès pour laver son honneur et reconnaître son innocence, en passant par toute la souffrance qu’elle endure entre les deux.
Disons-le clairement : la comparaison entre les deux films permet tout simplement de différencier le téléfilm à message poussif du vrai film de cinéma, qui élève son propos au niveau d’une tragédie humaine effroyable. Présumé coupable est la véritable oeuvre d’un auteur qui capte, à travers ce drame récent, la souffrance d’un individu broyé par une machine collective aveugle. Les rouages peuvent parfois s’emballer, la justice devenir folle. Tout système collectif présente le danger de devenir incontrôlable, prisonnier d’une mécanique bien pensée qui fonctionne 99 fois sur 100 et qui devient terrible quand elle ne fonctionne pas.
La caméra à l’épaule, l’absence de musique, le choix de suivre les faits et rien que les faits sans apporter aucun élément de fiction inscrivent Présumé coupable dans le cinéma-vérité. En ne se focalisant que sur le destin d’Alain Marécaux et en passant volontairement à côté de l’ensemble de l’affaire et des douze autre prévenus, Vincent Garenq fait le choix d’approcher au plus près du réel le destin d’un seul homme et d’en faire un cas universel.
Philippe Torreton donne à son personnage une épaisseur surprenante, son drame devient tout aussi singulier qu’il prête facilement à l’identification, ses réactions sont les siennes et pourtant elles trouvent en nous un écho déchirant. Ici, pas d’histoire de racisme, de victime idéale, de non-maîtrise de la langue ou d’insuffisance culturelle comme dans le cas d’Omar. Alain Marécaux est un homme exactement comme tous les autres, plutôt plus protégé que tous les autres même, puisqu’il mène une vie de famille assez confortable et exerce un métier bien respectable. Il ne peut pas imaginer de quoi on l’accuse et l’affaire à laquelle il est mêlée lui tombe dessus d’absolument nulle part. Il ne s’agit pas d’un crime classique avec meurtre, faux coupable et bouc-émissaire. L’affaire est sordide, les accusations sont surréalistes et les preuves sont absentes. Mais Marécaux se heurte à un système judiciaire froid et sûr de lui, déshumanisé, une machinerie sans état d’âme, sans scrupule, même sans préjugé. Il n’y a même pas la volonté d’accuser quelqu’un, simplement celle de suivre une procédure en oubliant tout jugement humain, à l’image de ce juge Burgaud qui exerce son métier comme il ferait une tâche ménagère, impassible, étranger à tout sens des réalités humaines qui se cachent derrière l’accusation. Le visage glacé et distant d’une société mécanisée qui traite les êtres humains avec indifférence, plus sensible aux quotas et aux statistiques qu’aux réalités individuelles.
Certes, Présumé coupable se fait chronique judiciaire et par là reste prisonnier de l’histoire qu’il raconte. Le film se construit alors de nombreux passages obligés, interrogatoires, arrivée dans une cellule hostile, larmes échangées au parloir, procès. Jamais le spectateur n’est surpris ou transcendé par le récit. Mais il est indiscutablement touché. Car Vincent Garenq dessine l’opposition fondamentale qui existe entre l’individu et la société. Entre soi et les autres. Alain Marécaux est seul. Présumé coupable est un film terrifiant car il raconte l’impuissance totale de l’individu quand un appareil collectif absurde décide de l’écraser.
Note : 6/10
Présumé coupable
Un film de Vincent Garenq avec Philippe Torreton, Wladimir Yordanoff et Noémie Lvovsky
Drame – France – 1h42 – Sorti le 7 septembre 2011
True Grit
Nominé 10 fois aux Oscars 2011 mais reparti bredouille, True Grit est le premier vrai western des frères Coen. On pourrait facilement passer à côté de l’originalité de ce récit classique à bien des points de vue. Si le ton cultive un léger décalage, c’est surtout l’insignifiance de l’aventure qui donne sa singularité au film : le temps qui passe finit par tout écraser, inévitablement.
Synopsis : Mattie Ross, 14 ans, réclame justice pour la mort de son père, abattu de sang-froid par le lâche Tom Chaney. Elle engage pour le retrouver un U.S. Marshal alcoolique.
Si No Country for old men avait l’ambiance et les paysages d’un western, il n’en était pas un, l’histoire était parfaitement contemporaine, les chevaux et les colts ne faisaient pas partie de la mythologie de ce film et surtout, il n’y avait pas de territoires inexplorés dans lesquels se cacher, se chercher, se perdre et se battre.
True Grit, au contraire, est un vrai western. Il en respecte la plupart des codes, le scénario n’a rien d’ambitieux. On reconnait pourtant ici et là la touche des frères Coen, notamment dans l’humour un peu noir qui donne au film une allure légèrement décalée. Et cela grâce à des personnages bien croqués, surtout Rooster Cogburn, la version western du grand Lebowski, interprété par un Jeff Bridges en grande forme, racontant les grands chapitres de sa vie à une enfant de 14 ans bien peu intéressée. On s’amuse bien, l’histoire est fort plaisante, on rit même parfois à gorge déployée et cela n’entrave jamais le sérieux du film, son côté western classique.
Les frères Coen ressuscitent le western mais abordent le genre avec trop de respect et livrent ainsi l’un de leurs films les moins originaux. On aurait aimé un méchant un peu plus complexe, Josh Brolin avait le talent pour faire mieux qu’un brigand pleurnichard, sans principe et sans épaisseur.
Depuis No country for old men, en passant par Burn after reading et bien sûr A Serious Man, les frères Coen nous ont montré dans tous leurs films qu’ils maîtrisaient mieux que quiconque aujourd’hui l’art des ellipses fulgurantes et que celles-ci avaient acquis, dans leur manière de raconter les histoires, une très grande importance narrative en même temps que métaphysique.
C’est encore une fois le cas ici. La plus belle idée du film, c’est de faire de toute cette histoire quelque chose d’anecdotique et même peut-être d’inutile : Cogburn a sauvé la petite Mattie, mais la vie de celle-ci semble aussi triste qu’austère. Leur aventure ne leur aura même pas permis de mieux se connaître ou de se revoir. LaBoeuf disparaîtra lui aussi comme il était apparu. Et le meurtre de Tom Chaney n’aura rien aidé. Les héros courent après des chimères, donnent un sens à leurs actes puis continuent leur vie, morne, anecdotique. Et cette histoire sans enjeu, c’est pourtant celle de toute leur vie : Mattie la raconte comme le point d’orgue de son aventure existentielle.
Le temps passe bien trop vite et on n’arrive vraiment pas à lui donner un sens, à le remplir de quelque chose de sensé. C’est sur cette réflexion que se termine True Grit. Trente années disparaissent dans le trou béant qu’on devine exister entre deux plans, et trente autres dans la minute qui suit. Toute l’oeuvre des frères Coen est traversée par la futilité de l’existence. Depuis quatre films, les vies entières sont dérisoires, Joel et Ethan Coen façonnent des héros qui se donnent bien du mal pour finalement pas grand chose : ce qu’ils essaient d’atteindre ne vaut même pas la peine d’être montré à l’écran. La vie de Mattie et celle de Cogburn seront d’une platitude désespérantes. Si bien que le spectateur voit son entrain disparaître : et si toute cette aventure, tout cet enthousiasme, n’avaient servi à rien?
Note : 6/10
True Grit
Un film de Joel et Ethan Coen avec Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon et Josh Brolin
Western – USA – 1h50 – Sorti le 23 février 2011
BAFTA 2011 de la meilleure photographie
Crazy, Stupid, Love
Crazy, Stupid, Love n’est pas un film fou (trop calibré), Crazy, Stupid, Love n’est pas un film stupide (la mécanique de la séduction est amèrement dépeinte), mais c’est effectivement un film sur l’amour. Tout le monde aime tout le monde et tout le monde est plus ou moins malheureux. Parfois drôle, parfois donneur de leçon, le film alterne le bon et le moins bon.
Synopsis : Le jour où Cal est largué par sa femme qu’il aime depuis plus de 20 ans, il se retrouve perdu et incapable de se relever. Jacob, séducteur hors pair, décide de le prendre en main…
Crazy, Stupid, Love est un pseudo film chorale qui raconte principalement trois histoires d’amour à trois âges différents. Le couple central, c’est celui formé par Steve Carell et Julianne Moore qui vivent une sorte de crise de la quarantaine après plus de 20 ans de mariage.
L’intrigue se concentre sur un motif bien connu de la comédie hollywoodienne : le relookage du loser en un homme séduisant qui découvre alors l’étendue de ses possibilités. Ryan Gosling joue le rôle éternel de Hitch, expert en séduction et montre à son élève les trucs et astuces pour coucher avec toutes les femmes dont il a envie. Pour faire simple, il faut être bien sapé, la faire rire, ne jamais se raconter soi-même, la faire parler et faire semblant de l’écouter, être sûr de soi et autoritaire, ne surtout pas lui laisser le choix. Et… ça marche! On est inquiet plus qu’on rigole car le film voit juste : il y a bien sûr une part de vérité assez importante dans la description de ce jeu de séduction machiste et intransigeant. La plupart des femmes préfèrent ne pas voir les failles, la séduction est un jeu où elles privilégient le plus souvent le paraître au dépend de l’être. Ce qui est important, ce sont les vêtements, les blagues, les formules toutes faites, les gestes précis et assurés de celui qui répète inlassablement une technique qui fonctionne.
Que reste-t-il de la sincérité et de la transparence? Pour la drague, elles sont souvent synonyme d’échec, nous dit le film qui semble hésiter entre en rire et en pleurer. Pour l’amour par contre, il faut se confier. Les deux autres histoires de coeur concernent, l’une un couple de jeunes adultes (mais cette romance-là manque cruellement de crédibilité, elle semble n’être là que pour retourner la morale du film : finalement, même le plus endurci des Don Juan a besoin d’honnêteté et d’amour), l’autre deux adolescents qui fantasment tous deux sur quelqu’un de beaucoup trop vieux pour eux. C’est sans doute cette dernière partie de l’histoire qui est la plus drôle et la plus tendre, notamment grâce au jeune Jonah Bobo, sorte de mini-Paul Dano romantique.
On l’aura compris, Crazy, Stupid, Love empile les clichés avec plus ou moins de bonheur et plus ou moins de pertinence, arrivant parfois à trouver un vrai tempo comique comme lors d’une des dernières séquences, quand tous les personnages se trouvent réunis dans la même maison pour un repas familial qui tourne au pugilat. Une petite surprise scénaristique et des acteurs plutôt bons permettent à la scène d’être assez savoureuse. Elle est néanmoins suivie d’une conclusion mielleuse et moralisatrice qui gâche notre plaisir. La comédie un peu vacharde aura bien son habituelle fin joyeuse et insipide. Non sans distiller un message légèrement régressif au passage. Pas aussi régressif il est vrai que le Bon à Tirer des frères Farrelly, mais la comédie US semble vouloir nous rassurer cette année : il n’y a rien de plus sacré que le couple.
Note : 5/10
Crazy, Stupid, Love
Un film de John Requa et Glenn Ficarra avec Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Analeigh Tipton, Emma Stone, Jonah Bobo, Joey King et Marisa Tomei
Romance, Comédie – USA – 1h58 – Sorti le 14 septembre 2011
La Fée
Petit à petit, Fiona Gordon, Dominique Abel et Bruno Romy ont imposé leur cinéma de poésie burlesque comme une sensibilité à part dans le paysage très balisé de la comédie francophone. Leurs films sont toujours un combat pour la tendresse et la désuétude. La Fée est drôle mais le récit est bancal. On attend un peu de nouveauté pour leur prochain film.
Synopsis : Dom est veilleur de nuit dans un petit hôtel du Havre. Un soir, une femme arrive à l’accueil, sans valise, pieds nus, dit être une fée et lui accorde trois souhaits.
Après les surprenants L’Iceberg et Rumba, les trois réalisateurs continuent de mettre en scène Dom et Fiona, ce couple de loosers maladroits et solitaires qui vivent leurs aventures romantiques dans l’indifférence d’un monde qui va sans doute trop vite pour eux.
Ces amoureux aux longues silhouettes encombrantes, qui ne se parlent presque pas, rappellent forcément Monsieur Hulot, mais alors que celui-ci avait la capacité de s’émerveiller et de s’amuser de tout et de toujours faire de nouvelles rencontres, Fiona et Gordon semblent souvent anesthésiés par la monotonie et le vide de leur quotidien, incapables d’être complets lorsqu’ils sont seuls, jusqu’à ce que l’amour les sorte de leur léthargie. Leur beauté, c’est avant tout leur inadaptation au monde tel qu’il est et le combat qu’ils livrent sans cesse, à chaque film, pour retrouver leur âme soeur.
Car les films de Fiona Gordon, Dominique Abel et Bruno Romy racontent toujours cette petite histoire universelle : deux amoureux se perdent, se cherchent pendant tout le film, luttent contre les autres et contre les éléments, et finalement se retrouvent, dans un bonheur simple et complet, car l’amour est à peu près tout ce à quoi ils aspirent.
Dans la chronologie du couple, les cinéastes vont visiblement à l’envers. L’Iceberg parlait de la séparation, Rumba d’un couple épanoui séparé par un accident, La Fée raconte la rencontre amoureuse. Il y a encore ici des plans d’une drôlerie hors du commun, comme ces course-poursuites qui opposent constamment le couple qui prend la fuite et tous les autres, qui leur courent après comme par réflexe, sans vraiment trop y croire (quand ce n’est pas l’inverse). Certaines séquences sont fabuleuses, l’évasion d’un hôpital, l’accouchement, le jeu avec les comprimés, la poursuite d’une voiture en moto pour essayer de récupérer le bébé resté sur le capot. Le burlesque est simple mais reste inattendu, les gags fonctionnent et on rit souvent.
Pourtant, entre deux éclats de rire, on attend, peu convaincu par une poésie de l’insignifiance légèrement répétitive. Le rythme n’est pas assez soutenu, les thèmes sont à peine effleurés, l’histoire est flottante, elle semble s’étirer sans maîtrise et se conclure quand il n’y a plus de farce à faire.
Cette idée de fée du quotidien était jolie et tendre, comme un rêve qu’on fait vivre en dépit de son impossibilité. Mais les trois cinéastes-acteurs n’ont pas réussi à donner un sens à leur récit comme ils l’avaient fait dans leurs films précédents. La Fée est alors une succession de douceurs comiques plutôt qu’un vrai film bien construit.
Note : 5/10
La Fée
Un film de et avec Dominique Abel, Fiona Gordon, Bruno Romy
Comédie – France, Belgique – 1h33 – Sorti le 14 septembre 2011
Habemus Papam
Nanni Moretti avait un sujet passionnant, il en a fait un film plutôt longuet. Certes c’est gentil (trop gentil même pour créer la polémique) mais c’est loin d’être incisif. Le réalisateur italien choisit la dérision et enferme ses personnages dans des comportements infantiles. Jusqu’à une dernière scène très réussie.
Synopsis : Après la mort du Pape, le Conclave se réunit afin d’élire son successeur. Mais le souverain élu ne semble pas prêt à supporter le poids d’une telle responsabilité…
Habemus Papam a sans doute l’un des pitchs les plus originaux, amusants et intelligents de l’année. Et si à la mort d’un pape, son successeur, élu par le conclave, se trouvait écrasé par l’ampleur de sa tâche? Et s’il se sentait incapable d’assumer le rôle pour lequel il a été choisi?
Si le nouveau souverain pontife refusait de se présenter à ses fidèles, les quelques jours d’indécision qui s’ensuivraient laisseraient un milliard de catholiques orphelins, dans l’incompréhension d’un pape qui souhaite préserver son anonymat.
Mais ce n’est pas tant la détresse des croyants qui intéresse Nanni Moretti que celle du pape lui-même et de ses cardinaux. Le film déroule alors deux parties bien distinctes: d’un côté, il suit le pape et ses déambulations dans Rome tout autant que dans ses angoisses, de l’autre il raconte l’attente des cardinaux, enfermés dans les palais pontificaux du Vatican.
Ce qui amène Habemus Papam à alterner deux tons assez différents : le pape, en pleine remise en question existentielle, s’enfuit, se cherche sans se trouver, revient à sa première passion, le théâtre, s’essaie à l’anonymat pour pouvoir se mêler aux gens et vivre de nouveau dans la simplicité et la découverte des autres. Les cardinaux, inquiets, essaient de tuer le temps. Sous la férule d’un psychologue athée enfermé avec eux parce qu’il a été mis dans le secret (et interprété par Nanni Moretti lui-même), ils organisent un tournoi de volley-ball, avec comme objectif un peu idiot de redonner du courage au pape qu’ils croient enfermé dans sa chambre.
Ce qui gêne dans ce film, c’est d’abord ce temps à tuer qui n’est pas toujours bien utilisé. Les errements du pape deviennent vite répétitifs et son cheminement ne le mène à rien. Le personnage n’avance pas et se révèle très peu, les scènes dans lesquelles il promène son regard perdu de chien battu finissent par être vite lassantes. Du côté des cardinaux, ce n’est pas beaucoup plus intéressant : Nanni Moretti, sorte de Woody Allen au ralenti, se moque de la religion et de la psychanalyse et dresse des portraits de cardinaux assez sommaires puisqu’ils se retrouvent tous noyés dans une masse impersonnelle qui évoque plus les Schtroumpfs que des individus de chair et de sang.
En voulant leur rendre leur humanité, le réalisateur italien les a surtout infantilisé : ces gamins gentils et irresponsables, qui ont déjà fait de l’élection une mascarade ridicule, forment un bloc qui s’oppose au pape qu’ils ont choisi comme dans le Maillon faible, autant pour se protéger eux-mêmes que pour se débarrasser de lui. Ce pape, sorti de la masse, devenu subitement seul, ressemble lui aussi à un enfant, timide, incapable de soutenir les ambitions que ses parents (ou ses cardinaux) ont placé en lui. Un enfant qui fugue et supplie qu’on le laisse tranquille.
Nanni Moretti se moque, certes gentiment, de tous ses personnages, ce qui l’empêche de traiter sérieusement son sujet : l’absence du nouveau pape pourrait avoir des conséquences énormes et passionnantes, mais le réalisateur passe à côté, trop occupé à sa farce. La critique du pouvoir devient elle aussi plutôt puérile.
Habemus Papam se relève dans la scène finale, sans doute l’une des plus intenses de l’année. Un frisson parcourt alors la salle. On dirait que le film devrait commencer là, ou alors que tout ce qui a précédé était une introduction pour cette séquence. Dommage que le reste du film soit loin d’avoir la même puissance.
Note : 4/10
Habemus Papam
Un film de Nanni Moretti avec Michel Piccoli, Nanni Moretti, Jerzy Stuhr et Renato Scarpa
Comédie dramatique – Italie, France – 1h42 – Sorti le 7 septembre 2011
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